Nueva York continúa perfilándose como lugar de referencia en la creación contemporánea. La actividad que las galerías y museos ostentan hace difícil abarcar toda la escena artística, pero un repaso por lo más prominente permite ciertas consideraciones sobre lo contemplado.

A grandes rasgos se perfila una tensión en la dualidad entre la revalorización de la plasticidad como estética visual y la implementación de la teoría como producto estético-conceptual. En esta temporada la atención en los museos estuvo dominada por la exposición de pintura de Gerhard Richter en el MOMA, que ya comenté, y la de "Black Romantic" en el Studio Museum con una exploración de pintura figurativa de 30 artistas negros, figuración y pintura en cierta contraposición complementaria con las realizaciones de video, digitales, sonido y diversas elaboraciones constructivas imbuidas de aura conceptual de la Bienal del Museo Whitney de Arte Americano. Las galerías han seguido mayormente a la par esta dicotomía percibiéndose un evidente incremento en muestras de obra pictórica y abundando, así mismo, gran número estrategias de trasfondo conceptual sustentado en la presentación visual.

La Colección Gelman es mostrada en "El Museo del Barrio" en Manhattan en una versión delimitada al modernismo mexicano con la figura de Frida Khalo como estrella. Fuera quedó la parte de la actualidad artística contemporánea que se mostró completa cuando estuvo en Puebla. La presencia mexicana se anticipa con la exposición "Mexico City: An exhibition about the exchanges rates of bodies and values" con artistas mexicanos jóvenes en Junio en PS1 en Queens, un prestigioso espacio de arte emergente, que no parece arriesgarse a presentar novedades limitándose a nombres establecidos. Exponiendo en la galería "Ramis Barquet" un mexicano, Ricardo Mazal, aparece destacable entre las muestras primariamente pictóricas. Sigue explorando el lenguaje de la abstracción con pinturas fuertemente gestuales dentro de una dominante grisácea donde hace destacar ciertos trazos de color. En la galería "Matthew Marks" Brice Marden, uno de los iniciadores del estilo minimalista de los Sesenta, dinamiza con líneas de color como caminos sinuosos y entrecruzados una rica superficie en diálogo armónico. Carroll Dunham liderando esta tendencia de la representación en estilo "comic" presenta en la galería "Metro Pictures" unas enérgicas pinturas en blanco y negro centradas en la imagen de un puritano personaje que con un pene por nariz se inserta en un mundo caótico e incontrolable, metáfora femenina, que le rodea. Y en "Mary Boone" emulando la mítica intervención textual de 1991 de Barbara Kruger en la misma galería Peter Halley dentro de su línea neo-geométrica establecida en los 80 se extiende a las paredes con una exposición titulada "Panic room" creando un ambiente disonante y tecno-pop con papel tapiz desarrollado en computadora.

Uno de tantos modos en que la estrategia pictórica se torna conceptual es con la superposición del lenguaje escrito. Ed Ruscha en la galería "Gagosian" conjuga una ambigüedad espacial con delicados significados inscritos en una simetría de la imagen y el texto en tipografía Arial. En la galería "Barbara Gladstone" Richard Prince funde los párrafos de chistes en varias líneas en toda la extensión horizontal de lienzos de gran tamaño integrados con un tratamiento textural de la superficie logrando una de sus obras de más calidad. Y el africano Wosene Worke en la galería "Skoto" hace interactuar la caligrafía de dos lenguajes etíopes con formas constructivas exagerando unos patrones abstractos.

Peter Halley en la galería Mary Boone

En las películas como "Spiderman" y "Star Wars" se aprecia cómo las escenas digitalizadas de acción ensombrecen a aquellas donde predomina el actor humano. Lo sublime, ese sentimiento donde la imaginación humana alcanza su límite, se impone como ese algo que define y trasciende la cultura humana y lo que significa ser humano y que está permeando en la creación contemporánea a través del arte y el diseño en esferas distantes como la medicina, la arquitectura, la mecánica el entretenimiento, la moda, la vida doméstica y la guerra. Una exposición "Skin: Surface, substance and design" en "Cooper-Hewitt, National Design Museum" examina el diseño contemporáneo y cómo el ser humano, en su piel, es un modelo de inspiración de flexibilidad, eficiencia y complejidad. Una variedad de objetos son construidos evocando la función de la piel. Los resultados estéticos aparecen resaltados desde efectos especiales en las películas a la multiplicidad de elementos que nos rodean construidos con esa estrategia. Los elementos electrónicos como la computadora se acercan con rapidez al concepto de la piel y el vestido. Y algunos de los artistas expuestos en el museo son objeto de atención en una colectiva "For Skin" en la galería "Generous Miracles". Entre ellos una foto de Andrés Serrano donde la piel de un hombre negro progresivamente cambia al color blanco. Fotografías redondas de labios de Sandra Bermúdez. En otras obras, el cuerpo humano parece ir construyéndose como si se tratara de la confección de un vestido. En unas esculturas, bolsos y balón replican los detalles del pezón o el ano del cuerpo humano.

Esta persuasión y asombro que arrastra el sentimiento humano en lo sublime se encuentra en la galería "Marian Goodman" con la fotografía de Thomas Struth, quien pronto tendrá una retrospectiva en el "Dallas Museum". Presenta cinco enormes fotografías, tomadas en el interior del Museo Pergamon de Berlín, que buscan la relación de los monumentos arquitectónicos con el espectador que los contempla. Roni Horn instiga lo humano desde su experiencia con sus instalaciones en "Dia Center for the Arts" donde se adentra en la diferencia como fuente de identidad a través de fotografías de una misma chica. La constancia y el cambio son exploradas con unos bloques de cristal y fotografías que comunican al espectador un sentimiento de recogimiento y observación.

Bruce Nauman. "Mapping the studio I"

También en "Dia Center for the Arts" Bruce Nauman expone su último trabajo "Mapping the studio I" una instalación de video en gran escala. Los sonidos y actividades nocturnas del estudio de Bruce Nauman en New Mexico grabados en múltiples cintas de video proyectándose simultánemente sobre tres paredes en la sala. Con la evidencia de la actividad diaria explora los temas de la práctica del arte, el rol del artista y el estudio. Richard Serra mostraba en galería "Prop sculptures" lo que pocos museos se atreven por la inestabilidad de la obra. Paradójicos objetos amenazantes se sostienen en virtud de su peso y equilibrio inseguro. "The Drawing Center" muestra por primera vez una exposición de de cientos de dibujos de Ellsworth Kelly "Tablet 1948-1973". Con ella se captan observaciones y pensamientos visuales que condujeron a la elaboración de sus obras identificables por lienzos con forma, monócromos y yuxtapuestos. Así mismo se muestran por primera vez en New York en la galería "Lehmann Maupin" los dibujos en acrílico de Tony Oursler, destacado por sus inquietantes videos proyectados sobre formas esculturales, son un diario de su proceso de conceptualización. Las últimas desconcertantes fotografías de modelos de Vanesa Beecroft podían verse en "Deitch Projects".

La influencia que tiene la Bienal del Whitney dirige la atención sobre artistas seleccionados que aparecen mostrando su obra en diversas galerías como fue el caso de Kim Sooja en la galería "Peter Blum" con una instalación de cubridores de cama de brillantes colores asiáticos rodeados de espejos, objetos comunes de formas simples que se revisten de múltiples capas de experiencia y significado. Y Arturo Herrera en la galería "Brent Sikkema" con abstracciones extraídas de las recomposiciones algunas veces de formas figurativas y distinguibles por el recorte lineal ancho con el que crea dinámicas imágenes de collage.

La Bienal del Whitney fue una ingente aglomeración pluralista de artistas en estilos eclécticos y distanciados de ortodoxias artísticas que prevalezcan en el mercado. El enfoque de muchos de los seleccionados no buscaba signos de identidad sino fundamentales aspectos de la existencia humana abordándolos con atrayentes estrategias en las que predominaba la mezcla de las disciplinas y el uso de la elaboración constructiva, resaltando el trabajo teórico de reflexión. Aunque como se ve, la pintura no decae y se aferra en muchos sentidos a los valores tradicionales del lenguaje abstracto, el arte más reciente que se muestra en Nueva York manifiesta una actitud difusa albergando estrategias paradójicas que aparecen unidas por la armadura de la teoría.

Gerhard Richter y Maurizio Cattelan