Una nueva sede para el arte también abrió sus puertas muy cerca del Metropolitan Museum y el Guggenheim; ubicada en la Quinta Avenida, cerca de la calle 86, la Neue Galerie inauguró con una primera y brillante exposición denominada New Worlds: German and Austrian Art, 1890-1940. Esta magnífica muestra trajo aire fresco a la concepción que tradicionalmente se viene manejando del modernismo europeo, la cual siempre tiende a enfocarse a los pintores franceses y en las bellas artes exclusivamente. En esta retrospectiva se revisan varios movimientos artísticos que van desde el Succession vienés hasta la Bauhaus alemana, pasando por el expresionismo y la Wienerwerksatte. Aquí podemos admirar acuarelas y gouaches de Egon Schiele así como óleos de Gustav Klimt y pinturas de Oskar Kokoshka. En esta muestra roban cámara los muebles, platería, joyas y demás objetos decorativos diseñados por creadores como Otto Wagner, Joseph Hoffmann o el arquitecto Mies van der Rohe, los cuales han sido instalados con meticulosa armonía.

Del mismo Ludwig Mies van der Rohe, se presentaron de junio a septiembre dos exhibiciones simultáneas: Mies in Berlin y Mies in America. La primera en el MOMA y la segunda en el Whitney. Calificado por algunos como demasiado frío, el diseñador y arquitecto alemán se ha puesto de nuevo en boga vía estas dos muestras que nos traen una crítica visión de la obra de Mies, la cual se encuentra diseminada, en su mayoría, a lo largo de Canadá y los Estados Unidos. De entre sus proyectos y obras destacan el Toronto-Dominion Center (terminado en 1969) y la insoportablemente rigurosa Casa Farnsworth (1951) ubicada en Plano, Illinois. A Van Der Rohe se le consideró el arquitecto más high-tech de su tiempo, cuya obra lo ubica entre los grandes de la arquitectura, como Frank Loyd Wright, Le Corbusier o Louis Kahn, sin perder vigencia.

Otras instituciones locales que entraron en la lucha por la notoriedad cultural fueron el venerable Metropolitan Museum of Art y el Whitney Museum of American Art. Apoyados por su talentoso equipo de colaboradores presentaron muestras que, en algunos casos fueron exitosas y notablemente sencillas, y en otros francamente pretenciosas y poco propositivas. Dentro de los primeros encontramos la exposición de los dibujos del poeta inglés William Blake (1757-1827) en el Metropolitan Museum. En esta se presentó una colección de ilustraciones elaboradas por Blake durante la oeltima parte de su vida de enigmática y complicada belleza que abordaban temas como la soledad, el erotismo, la locura y lo temas esotéricos que tanto le apasionaban. Las obras presentadas manifiestan la enorme destreza que Blake poseía, no sólo para imaginar las más bellas construcciones líricas, sino para plasmar sus obsesiones con un carácter y estilo muy propios. Tan es así, que, muchos años antes, vemos a un Blake que sienta, por medio de estos dibujos, las bases del Art Nouveau, así como su influencia en otros trabajos expresionistas de artistas como Anselm Kiefer.

En el mismo museo, se presentó en colaboración con la National Gallery de Londres, la muestra Vermeer y la escuela de Delft. La muestra se centra en el microcosmos del poblado holandés de Delft, en el cual Vermeer, maestro de la pintura del siglo XVII, realizó su obra. La exhibición estuvo compuesta por quince de los treinta y cinco trabajos que se conocen del artista. Este conjunto de pinturas explora tres períodos de su vida y obra. En primer lugar los comienzos, donde experimenta la boesqueda de un estilo y voz propios. De este período sobresale "Diana y sus acompañantes". Posteriormente viene la etapa marcada por su conversión al catolicismo, de ahí destaca "Cristo en la casa de María y Marta" y finalmente, su período de maestría consumada, con la famosa obra "El arte de pintar"(1666-1668), la cual retrata al artista en su estudio, pitando a la musa, coronada por una guirnalda de laureles sosteniendo un trombón y un libro en la mano. La muestra, una verdadera delicia para los amantes de la pintura y la imagen, brindaba una rara oportunidad de acercamiento al maestro ubicándonos en su tiempo y espacio, al rodear las pinturas de objetos y muebles provenientes de la región de Delft, originales del siglo XVII.

En el rubro de las muestras cuyos resultados de crítica y poeblico no correspondieron a las expectativas generadas está Bitstreams, carta fuerte del Whitney Museum of Art. Con gran aforo, pero pobre acogida entre la crítica, el Whitney presentó lo que al final parecía, más que a una muestra de arte con soportes de tecnología de punta, un pretencioso despliegue de recursos económicos y tecnológicos carentes de magia y toque humano. Aquella muestra, más que una invitación al goce artístico, parecía una feria de productos de cómputo: pantallas led que escupían mensajes repetitivos (OEsin el respectivo crédito a la artista Jenny Holzer!), pinturas en acrílico ejecutadas por máquinas y programadas por el "artista" o muros llenos de circuitos conectados a audífonos, por medio de los cuales el poeblico podía escuchar las piezas electrónicas experimentales de audio de artistas y DJ'z tan notables como Dee Jay Spooky. Todo conjugado en una mélange que al final causaba confusión y una sensación de vacío que en nada ayudaba al espectador comoen a determinar cuál es el aporte real de las nuevas tecnologías al arte contemporáneo.

Robert Lazzarini: Skull. 2001

Solamente podemos destacar la obra del joven italo-americano Robert Lazzarini, sobresaliente y conceptualmente acabada: Lazzarini toma un objeto tridimensional, captura las dimensiones y voloemenes del objeto mediante el uso de un escáner y posteriormente, con la ayuda de un programa de diseño tridimensional, distorsiona la apariencia de dicho objeto sin alterar su aspecto básico. Con la imagen obtenida, y usando materiales que den la apariencia del objeto original (en el caso del cráneo, tomado de la pintura Los embajadores de Holbein, utilizó una resina plástica que da el aspecto de hueso humano), Lazzarini reproduce el objeto alterado, cuya nueva apariencia da una sensación espacial de difícil descripción, que produce alucinaciones ópticas, ya que es como estar dentro de una pantalla de computadora percibiendo objetos en un ambiente digital. La intención del Whitney manifestada a través de Bitstreams es buena; nadie puede culpar al museo por su intento de introducir el arte conceptual con soportes altamente tecnificados en la conciencia colectiva del poeblico norteamericano en general, que dicho sea de paso desconoce las posibilidades del arte.

Y es que el arte conceptual con nuevos soportes ha pululado por el circuito de las galerías ya desde hace un buen tiempo. Una de las muestras más interesantes del año fue sin duda Electrify Me! presentado por la Frederich Petzel Gallery en el barrio de moda para los galeristas de Manhattan: Chelsea. Esta muestra veraniega, sin alardear de grandes recursos, supo captar la imaginación del poeblico con su colección de piezas que eran una simpática propuesta que invitaba a reflexionar sobre la energía eléctrica como punto de partida de gran cantidad de la práctica artística actual. Del norteamericano Dan Flavin, pionero en del uso de luces en el arte conceptual del siglo XX, se presentó un conjunto de neones en suaves tonos lima, verde y azul que creaban un efecto arco iris. Bruce Nauman, otro aguerrido defensor de los nuevos soportes de la imagen, presentó un palíndromo de luces centelleantes que data del año 1970 y cuyo efecto se siente ya un poco obsoleto. Las piezas más destacadas sin duda eran Untitled, del artista Jorge Pardo, un conjunto de pequeños bulbos regados en el suelo con sus cables como una especie de serpientes invadiendo el espacio, y Stuck de James Turnell (un cuadrado con un hueco en forma de triángulo que, con una suave luz de fondo juega con la percepción. De lejos éste parece una pintura; más de cerca parece una imagen proyectada y ya, en pleno acercamiento, una ventana al infinito, al limbo.

La galería Barbara Gladstone presentó en primavera la muestra de cortometrajes de la iraní Shirin Neshat, tres historias sencillamente narradas por las imágenes sin diálogos que recogen, como ya es costumbre en la artista, la vida de la mujer en el Islam. Estas abarcan la vida íntima dentro del hogar, la persecución de la mujer en la ciudad y el ritualismo colectivo. El video más impactante fue musicalizado por el compositor estadounidense Phillip Glass. En él, un grupo de mujeres con su obligatorio sari se reoene en el desierto para realizar una ceremonia aparentemente dedicada a la iniciación de la mujer en el estricto canon islámico.

Yasumasa Morimura

Adrian Piper, es otra artista cuya misión ha sido romper con los estereotipos del género, y especialmente de la raza. En 2001 tuvo una extensa retrospectiva en el New Museum of Contemporary Art. Desde 1968, año en la cual Piper saltó a la escena artística norteamericana, la suya ha sido una incómoda presencia para el establishment cultural; siempre cuestionando, siempre confrontando con su franqueza sin tapujos que lo mismo pone en tela de juicio los valores más fundamentales de la sociedad americana (igualdad, justicia, libertad), que critica a sus más acérrimos defensores. Dan Cameron, el comisario de esta muestra, seleccionó obras como Retrato exagerando mis rasgos negroides, Vanilla Nightmares o Black box/ white box para ilustrar las obsesiones y discurso (frecuentemente político) de Piper. A través del video, la ilustración, fotografía, el performance, etc., Piper nos demuestra que en su obra hay un interés perenne por la verdad, más que por la belleza o la perfección estética. Su obra continoea, aoen hoy en día, cuestionando la validez de la caracterización racial.

Adrian Piper: Retrato exagerando mis rasgos negroides, 1999. De plata y gelatina...

La Fundación establecida en Milán por la hija del fotógrafo colombiano Leo Matiz, rindió sus primeros frutos al traer a Nueva York una galería privada una muestra retrospectiva de su trabajo. Pequeña en escala pero grande en impacto, la muestra presentó por primera vez algunos de los mejores trabajos de este gran maestro que vivió en México durante gran parte de su vida y donde desarrolló su mejor obra, al entrar en contacto con los figuras más destacadas del en su tiempo como Orozco, Siquieiros y Manuel Álvarez Bravo. Destacan sus fotos tomadas durante la realización de los murales de Siqueiros en el Palacio de Bellas Artes y sus retratos y imágenes de corte semiabstracto tomados a lo largo y ancho de México en la década de los treinta y cuarenta.

Leo Matiz: Anacora, 1957.

Dos de las muestras más cautivantes en fotografía fueron la emotiva A lo largo del Nilo: primeras fotografías de Egipto combinada con Harry Burton: Tutankamón y la expedición del Museo Metropolitano. Un selecto conjunto de trabajos de más de siglo y medio de antigüedad que nos presentaban imágenes tomadas por fotógrafos-exploradores como Maxime du Camp, a los templos egipcios que rodean el Río Nilo. Estas fotos de bucólicas atmósferas nos trasportan a través del tiempo a las páginas de la historia, como el momento del descubrimiento de la tumba del rey Tut, una imagen que más bien parecía salida de una película del cine mudo hollywoodense. El valor de los documentos visuales no sólo es estético, sino también histórico, ya que en algunas de estas fotos aparecen las oeltimas imágenes que quedan del templo de Ptahmose, general en jefe de Ramses II, estructura que desapareció hace décadas en las arenas movedizas del desierto.

Finalmente, en el rubro de Ambient Art, Creative Time trajo una muestra de esta vertienente del arte contemporáneo a las catacumbas del puente de Brooklyn. De ahí destacan una instalación del binomio de arquitectos Antenna Design, que consta de un cuarto obscuro en el cual una serie de objetos están delineados por medio de neones. Para guiarse, el espectador requiere la ayuda de una computadora de mano Palm Pilot, la cual, virtualmente "pilotea" y nos va llevando a través del espacio. Aquí entra el sentido del humor de los creadores, los cuales al más puro estilo de John Waters deciden jugarle una broma al espectador, el cual, habiendo localizado el objeto que desea ubicar (una silla, la puerta de salida, una escalera, etc.) se acerca a éste oenicamente para darse cuenta de que la pantalla de la Palm ha activado una imagen diferente. Por ejemplo, al acercarse y pulsar el botón correspondiente a la escalera, aparece un grupo de ángeles flotando. Dentro de las catacumbas, el artista mexicano Leo Villareal obtuvo resultados sorprendentes con su instalación de luces estroboscópicas ubicadas en una bóveda, arriba de un grupo de sillones de espuma sintética, en los cuales el poeblico se recostaba para gozar del espectáculo visual generado en orden aleatorio programado, el cual sugería imágenes del infinito que lograban efectos de gran intensidad. Y si de arte bizarro se trata, no podemos pasar por alto la más reciente exhibición de Jeff Koons en la galería de Larry Gagosian, también en el barrio de Chelsea. Sus nuevas pinturas, ejecutadas en óleo, son la resultante de un proceso demodé: el collage. Koons yuxtapone imágenes de elefantes con las de vedette maquilladas y ataviadas con exuberantes y diminutos bikinis y tiaras de pedrería, después escanda los colages y a través de manipulación digital consigue estas grotescas composiciones que son, a la vez, atractivas y repelentes. En cuanto al arte latinoamericano, la exposición más importante fue una revisión de la imagen brasileña desde el barroco del siglo XVI hasta los artistas conceptuales del siglo XX más importantes de esta nación, que dicho sea de paso, han destacado enormemente a nivel mundial con exposiciones individuales y participaciones en colectivas de relevancia. Body and Soul, fue el equivalente de 30 siglos de esplendores de 1990 en el MET, solo que en una versión más compacta y cronológicamente mejor organizada. La muestra descubrió para el poeblico local elementos intrigantes de la asociación entre imágenes cristianas e imágenes de la tradición africana, ambas transformadas por su mutua fusión. Acompañaron a la exposición videos de la cultura popular brasileña, la arquitectura de Oscar Niemayer, la ecología e incluso la rica diversidad musical de ese país. Destacaron las piezas de la pintora anticolonialista Adriana Verejó, el fotógrafo Miguel Río Branco, el escultor Ernesto Neto y la célebre escultora e instalacionista Lygia Clark. En Williamsburg, el floreciente distrito artístico de Brooklyn, la galería Roebling Hall, presentó obras de Christoph Drager, un artista cuya obra se centra en la temática de los accidentes y las catástrofes. Sus pinturas sobre diferentes soportes crean proyecciones sobre el drama de la destrucción, que sin saberlo iba a marcar a Nueva York unos meses más tarde.

Obviamente, el evento más inesperado durante el 2001 fue la desaparición de las torres gemelas del World Trade Center. Ocurrido justo al comienzo del otoño, suprimió de golpe y porrazo el comienzo de la temporada artística en Nueva York y cambió el enfoque de las artes hacia dos marcadas vertientes: una, la de las muestras y transacciones comerciales de obra clásica de plusvalía garantizada y otra, la del arte unido a las obras altruistas de la ciudad, documentando la solidaridad local, los hechos y las historias urbanas que rodearon a los trágicos hechos. Lo que provoco esto en el arte en Nueva York, fue el resurgimiento de una conciencia sobre el papel del arte, manifestada en una serie de subastas, muestras colectivas que no se habían visto en muchas décadas.