Gabriela Galindo
Sabemos que los nuevos medios han transformado el concepto de Arte tal como lo conocíamos, hemos cambiado de apreciar una obra de arte a presenciar un evento artístico, la reproducción se ha transformado en simulación, la mímesis en virtualidad, y la interpretación ahora nos remite a la interactividad.
Un ejemplo de estas transformaciones lo podemos ver en la muestra Sound Image, organizada en el Laboratorio Arte Alameda. Presentada como arte sonoro, donde imagen y sonido se combinan para crear una atmósfera de sensaciones que van desde la contemplación pura hasta el éxtasis y la angustia.
Torolab, Cuarto de
Trabajo.
La muestra inicia con una instalación a cargo de Torolab, grupo que fundó Raúl Cárdenas Osuna junto con artistas, diseñadores y músicos de Tijuana en 1995. Presentan la obra titulada Cuarto de Trabajo. Al entrar el visitante se enfrenta a una obra que parece más la entrada a un bar que una galería. Imágenes mezcladas se proyectan en la pared al tiempo que se escucha una música tipo Techno o algo similar. El visitante puede sentarse en los cómodos sillones y hasta servirse una taza de café, cortesía de Torolab. Tanto las imágenes como la música son seleccionadas por dos encargadas del museo que, a manera de DJ, van mezclando las imágenes y seleccionando la música al momento. El objetivo es que el visitante abandone la actitud de tránsito, que deje de “pasear” por el museo para tomarse un momento de descanso y contemplación.
Arcángel Constantini, Artificial.
La siguiente obra es de Arcángel Constantini, a quien recordamos por ser el ganador de Vid@arte y curador del espacio Cyberlounge del Museo Tamayo. Su trabajo, titulado Artificial, consta de varios elementos que se conjuntan en una sola experiencia. Por un lado se pueden ver dos proyecciones: la primera, es una imagen que asemeja un gran corazón artificial proyectado en la pared y la segunda consta de una serie de imágenes urbanas y casi violentas que se proyectan aceleradamente en el piso. Justo encima de esta proyección se encuentra colgado un estetoscopio electrónico, mismo que el espectador puede colocarse en el pecho, haciendo que el sonido de su corazón se escuche amplificado por toda la sala y a su vez, provoca que la imagen del enorme corazón artificial se mueva a su mismo ritmo cardíaco.
El espectador se convierte en el motor de la animación y el ritmo no controlado de su corazón será el controlador de la imagen. El estímulo visual de las imágenes proyectadas en el piso provocan una aceleración de los latidos.
Así pues, el resultado es una imagen que se ve afectada por el usuario que reacciona a otra serie de imágenes creando una respuesta circular infinita.
Matthias Gommel, #2
Delayed-headsets.
La siguiente instalación es de Matthias Gommel, diseñador, arquitecto y escenógrafo de origen alemán, que presenta la obra #2 Delayed - headsets, que consiste en un par de de audífonos con un micrófono integrado. Los micrófonos registran la voz y reproducen la señal en los auriculares, ambos visitantes puden escuchar su propia voz y la de su compañero, pero con un retraso de tres segundos. El resultado es una experiencia de descoordinación entre la expresión y movimiento de la boca del compañero y el sonido, creando un espacio inherte de espera angustiosa. El receptor percibe la acción pero la consecuencia de ésta no llega, la percepción se separa de la acción y hace que el espacio de silencio, de sólo unos segundos, parezca interminable.
Seguida de esta sala se encuentra la obra de Manuel Rocha: En una fracción de fricción. Una estructura de madera protege la imagen y es necesario entrar por un pasillo casi completamente oscuro para llegar al centro de la sala de proyección. Enmedio de esa oscuridad se escucha un sonido que es reconocible pero que no se acaba de identificar hasta que la acción termina. Un cerillo de madera que al encender provoca un haz de luz intenso que ilumina, por un instante, todo el espacio. Lentamente la luz se vuelve tenue hasta llegar a la extinción total. El trabajo de Manuelito, provoca un instante de reflexión sobre la intensidad y lo efímero, y a la vez infinito.
Nave principal del Laboratorio
Arte Alameda.
En la nave principal del museo se encuentra el Puerto Sónico, espacio amplio que crea un respiro en el recorrido. Al centro, se presenta el trabajo Eon de Alfredo Salomón. Esta obra, proyectada simultáneamente en varias televisiones, presenta un video continuo con imágenes y sonidos articulados. Las imágenes son una serie de juegos animados, casi ociosos, de colores, líneas, diseños pop y otros que me recordaron un viejo jueguito llamado espirógrafo. El sonido de los discos acompaña esta interminable secuencia, a veces siguiendo los pasos de la imagen, a veces guiándola; creando una especie de atracción hipnótica que sensibiliza y reta al espectador.
Al otro lado de la nave, se encuentra una curiosa instalación titulada Welcome to the world of Vinyl Video que consta de un televisor parecido a uno que tenía mi papá en su pequeño estudio cuando yo era niña. Junto al viejo televisor se encuentra un aparato extraño y también de apariencia antigua, seguido de un tornamesa. Al acercarme a la obra una señorita corrió apresurada a preguntar qué disco quería escuchar señalando un librero con viejos discos de vinil. Señalé uno al azar y lo colocó cuidadosamente en el tornamesa.
Al momento que empezó el sonido (que no se puede decir que era música, o al menos no lo era el disco que elegí), aparecieron en el televisor una secuencia de extrañas imágenes en blanco y negro. No acabé de entender hasta que me acerqué a una computadora, donde estaba explicado que el aparato extraño es un transformador que identifica cada track y transforma las vibraciones en imagen.
La falta de congruencia entre la tecnología actual y los aparatos viejos y descontinuados crean una gran espectativa. Es inevitable identificar la tecnología con lo nuevo, lo más moderno y super Hi-Tec, el arte creado con estos medios ha marcado estándares originales y ha creado una nueva forma de re-presentación.
Pero, ¿hasta cuándo seguirán siendo nuevos los llamados “nuevos medios”? ¿Será como sucede con los “jóvenes artistas” que hace falta que llegue alguien más joven para delegarle el título, así se tenga la edad que se tenga?
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La obra de Vinyl Video utiliza aparatos que ya ni mi abuela tiene, presenta un producto que permite al usuario transformar sus aparatos obsoletos en una especie de Home Video. Lo nuevo y lo no tan nuevo se combinan para desmitificar a la tecnología creando una sensación caseramente nostálgica e incluso se puede adquirir para hacer la propia instalación en casa.
Al otro extremo de la nave central se encuentra el interactivo Small Fish de Kyoshi Furukawa, Masaki Fujihata y Wolfgang Münch. El mundo de expresión abstracta de la que el siglo XX fue testigo con Kandinsky en la pintura y Shoenberg en la música, hoy es posible verla en una nueva manifestación por a la interactividad de las computadoras. Small Fish es un intento de provocar espacios de creación individual, personal y absolutamente efímeros. Puntos, líneas, bolitas o palitos son colocados para que el usuario los mueva a voluntad creando a la vez variaciones musicales de acuerdo al movimiento de los elementos. La búsqueda de un significado se hace más compleja, cuando se va más allá de los “símbolos gráficos”. El usuario se ve atrapado en la creación de su propia obra y composición olvidándose del mundo exterior y el pensamiento racional y dejándose llevar por la experiencia de la interacción inmediata.
Ulf Langheinrich. Portada
del álbum
Degrees of amnesia.
Finalmente, al fondo del museo en lo
que alguna vez fue la Capilla Dolores, se presenta la obra Lux de
Ulf Langheinrich y Kart Hentsclaeger. Esta obra es la producción
más reciente de Granular Synthesis, proyecto iniciado por
Langheinrich en 1991 donde se autoproclamaban como los “terroristas
de los medios”.
La sala, perfectamente aislada de luces exteriores, presenta una
secuencia de luz estroboscópica interminable, increíblemente
luminosa y con un sonido constante y repetitivo. El sonido, sincronizado
con la imagen retumba por la sala y en el espectador mismo, alterando
por completo los sentidos.
Cada sonido, especialmente los formados en pautas repetitivas (desde el sonido del aliento, gotas de agua, o el motor de maquinarias industriales) han influenciado el trabajo de Langheinrich. Utiliza la repetición monótona y constante como recordatorio de la opresión que él vivió en la Alemania Oriental, a la vez que provoca un estado alterado de la realidad. Langheinrich es mundialmente conocido por su álbum Degrees of Amnesia, obra compuesta con el objeto de retener en el tiempo el poder psicológico intenso, donde la densidad es el elemento clave.
La mezcla de medios hace que se combine la experiencia de contemplación con la alteración del tiempo y el espacio. La respuesta del espectador gira entre la preplejidad y la fascinación. Las nociones espaciales y de temporalidad se ven afectadas, dejando los sentidos abiertos y sensibles a cualquier estímulo. Los fascinados permanecerán horas enteras jugando con el interactivo, mientras los perplejos saldrán casi huyendo de lo aterrador de la luz estroboscópica intermitente. Pero sea cual sea la respuesta, esta exposición, curada por Rudolf Frieling y Príamo Lozada, se presenta como un viaje por el arte sonoro y visual. Intenso, por momentos hasta ensordecedor, pero siempre propositivo y bastante disfrutable.
Manuel Rocha, En una
fracción de fricción.
Instalación de
Vinyl Video.
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