Iris México

Sin duda estas pinturas no pretenden enfatizar sus atributos formales, el plano sintáctico, o el plano semántico, de relaciones de la figura con la realidad del símbolo representado. El autor subraya el plano pragmático, los efectos de la obra en el receptor. Su descontextualización es compleja y polisémica. Presenta como obra de arte el cuestionamiento irónico y sarcástico (burla en ocasiones fina, otras veces cruel) de nuestra sociedad. ¿Acaso no es divertido gritar "mamá "con grandes letras blancas a la izquierda de la pintura, poner una mamá-animal, flamenco rosa, que nos ve de reojo desde el centro del cuadro? y pedirle "dime que me quieres" con letras verdes, un poco disimuladas a la derecha, del mismo color que los dibujos primitivos que aparentan representar niños; mientras a la derecha aparece una tortuga de plástico cargando a su tortuguita. Además de que por la obra se asoman cuatro máscaras de líneas rosa, lila, rojo y azul, con puntos de otro color, que destacan en un fondo amarillo, y sin faltar el mapa de fondo, que aparece recurrentemente. Gritón renuncia a la solemnidad y a los formalismos culturales. Toma nuestros queridos símbolos de respeto: dios, la cultura, la familia, el país, y juega con ellos.

Son obras que probablemente han sido dolorosas para el autor, expresan un desencanto de nuestro momento histórico. De manera semejante a lo que ocurrió en el dadaísmo (1916), que se caracterizó por una violenta reacción contra las consecuencias de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Creo que los artistas plásticos de la talla de Ernst, Picabia, Duchamp, y los literatos Tzara y Arp, pensaron que si la guerra era lo que podía producir su cultura, entonces la cultura era una mierda y necesitaba una transformación. También era una demostración de dolor. Al igual que transformaron las estructuras artísticas y renovaron los lenguajes, intimidaron al público y ocasionaron grandes peleas. Kunt Schwitters, creador de los Melbilder (cuadros de porquería) en los que reunía elementos de desecho, fue precursor del collage y el ensamble.

Todos somos iguales; acrílico/tela150x120 cms. 1999

Encuentro algo de teatral en las obras de Gritón por su facilidad para pasar de la tragedia a la comedia. La burla posee un sentido del humor que puede provocar nuestra sorpresa o risa, pero la causa de la burla es la tragedia humana: lista para conmovernos ó entristecernos. Sin descartar que - lo he comprobado - hay personas que después de ver estas obras experimentan coraje, un desagrado incomprensivo y palpitante. Sin duda, Gritón renuncia a la categoría estética de la belleza; a lo que "gusta sin interés alguno"(1). En cambio, acoge las categorías estéticas de lo dramático o de lo cómico, incluso de lo sarcástico, lo irónico y lo cursi. La obra de Gritón, citando a Kant, está más cerca de "lo bueno" donde la satisfacción está unida con el interés, que de "lo bello": "Bueno es lo que place por medio de la razón; es decir, no es un interés sensible inmediato, como lo agradable, sino un interés racional que depende de un concepto que el hombre se forma de las cosas en vista de sus necesidades, sean ellas económicas o de naturaleza moral. Por ello, entre la noción genérica de "bueno" hay que distinguir lo que es "bueno para algo" (lo útil) y lo que es "bueno en sí" (el bien moral). En ambos, empero, está encerrada la idea de un fin y, por consiguiente, la relación de la razón con el querer"(2). Gritón acentúa el plano pragmático, el conceptual, que va dirigido a la razón del espectador. Depende que el espectador tenga un interés racional en este tipo de obra para que la encuentre valiosa. Es obra que no busca agradar ni entretener a un consumidor; por el contrario, su objetivo es llegar a un diálogo con receptores activos: aficionados al arte que conozcan la lógica del devenir del campo artístico y sepan de sus reglas del juego.

Entre las constantes que aparecen en esta serie de obras destacan los mapas. "Mapa, mapamundi, del latín mappa mundi, mapa celeste: Representación convencional, sobre un plano, de la distribución de fenómenos geográficos, geológicos, astronómicos. Mapa que representa el globo terráqueo dividido en dos hemisferios. Mapa plano de la bóveda celeste en el que figuran las constelaciones." El mapa es para nuestra cultura un retrato o una tarjeta de presentación (bastante sofisticada por cierto) del cielo o de la tierra. Recuerdo haber visto mapas antiguos, de cuando aún se pensaba que la tierra era plana, mapas de la ciudad de México, cuando aún era la región más transparente del aire. Sin duda, el mapa es un testimonio del paso del tiempo, tanto porque deja testimonio del estado del cielo, o de la tierra en ese momento, de la forma en que el hombre los denomina o los entiende, de los recursos científicos o tecnológicos con que se cuenta para lograrlo. Gritón utiliza únicamente mapas actuales, evidencia de nuestro tiempo. Una de las cosas que me llama la atención es que el mapa es plano: suprime el espacio, evita escorzos, sombras y volumen,porque las dimensiones con profundidad requieren, para su interpretación, de una activa intervención del espectador -digamos que complica la cosa. Por otro lado, el plano simplifica la captación del objeto (el cielo, la tierra, el mundo, la cultura, el hombre), presentándonos la situación objetiva, en un imperativo afán de abstracción. "Entre otras razones, por ser el espacio precisamente aquello que vincula entre ellas las cosas, que les da su relatividad en el panorama universal y, también, porque el espacio no se deja individuar" (3). Y no es plano solamente el mapa, el dibujo de Gritón es de un realismo conceptual que renuncia precisamente a la representación espacial del realismo visual. Exige mayor actividad perceptual. El dibujo puramente lineal es importante para la sensibilidad o visión del hombre moderno, habituado a la lectura de publicidad y no de arte. Nos permite analizar los elementos básicos, la figura vacía es más conceptual y visual que la poblada de rasgos. Dibujo plano sobre mapa plano.

EL RÍO; acrílico/tela, 120x150 cms. 1999

En relación con la vinculación del yo con la obra de arte, que recibe toda su vida exclusivamente del yo, el artista tiene el afán de proyectarse en su obra, de salir de sí e introducir su actividad en otro objeto, hasta encontrarse dentro de él. Queda absorbido el afán de vivencia interna del artista por la forma exterior de la obra de arte, y el artista queda redimido de su ser individual. El ansia de enajenarse(4) del propio yo no se manifiesta como un anhelo de despojarse del ser, sino en forma de un impulso de redimirse por la contemplación de un algo (que puede ser la obra de arte) inalterable. De acuerdo con Lotze: "El hombre llega a aprehender toda forma como un escenario en que actúan fuerzas indecibles, y a sentir la dicha de proyectarse a ellas"(5). Con base en esta catarsis del yo en una obra polisémica y crítica, probablemente el cielo de Gritón se encuentra en la pintura.  1. ALTIERI Angelo, Kant: estética y teleología. México, Universidad Autónoma de Puebla, 1997. 2. Ibid. 3. WORRINGER Wilhelm, Abstracción y naturaleza. México, Fondo de Cultura Económica, 1953. 4. Salirse de sí, transmitir el dominio de sí a una cosa o persona fuera de uno; a algo o alguien que provoque tal deleite que se quede uno absorto en su contemplación o gozo. 5. ALTIERI Op. Cit.