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Aurora Noreña

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Antonio Ortiz - Gritón. Extraversión e introspección


Recorrido virtual
por la obra

El campo de la visualidad artística contemporánea en México carece de la vitalidad y del nivel de discusión necesarios para propiciar desarrollos propios de avanzada y un autoanálisis para definirse y encontrar su posición en el concierto mundial.

Aunque el papel del estado como rector de políticas y facilitador de una infraestructura básica para el desarrollo y divulgación de la cultura es de suma importancia, dichas responsabilidades también son de la sociedad y en específico del gremio o gremios involucrados, sobre los recaen también los indisociables procesos reflexivos.


De entre ellos, el de la educación y el de la investigación son fundamentales para la vitalidad y capacidad analítica del medio, pero la mayoría de los centros de investigación y de los centros educativos especializados muestran agotamiento y bajos niveles de discusión.

Los artistas por su parte entienden su papel de maneras muy distintas. Son pocos los que desempeñan un rol activo y crítico en el mundo del arte más allá de su producción personal. La intervención y la incidencia del artista en los sistemas productivos sociales y artísticos son difíciles y complejas ya que se necesitan enormes dosis de energía y creatividad extras para buscar fondos y convocar   públicos (en un país donde ni autoridades, empresa privada, o el público general, parecen estar muy interesados).

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Compulsión


Griton

Este siempre será el cielo de tu esperanza

Desde la perspectiva mencionada, el desempeño de Antonio Ortiz "Gritón" (1953) es significativo: lleva años canalizando esfuerzos a proyectos autogestivos y de interés comunitario en la Ciudad de México, que forman parte de una serie de voluntades encaminadas a la construcción de una infraestructura artística no oficial.

Muestra de ello lo son eventos gestionados por él junto con otros artistas, teóricos, y asociaciones civiles como: La toma de Reforma(2004), la fundación de la revista Réplica21(2002), la constitución del Museo Público de Arte Contemporáneo de Tlalpan (2005), los recientes seminarios y Parlamentos Alternos I y II (2005-2006) para la revisión de la legislación nacional en materia de cultura, además de sus textos críticos publicados esporádicamente en distintos medios y de su permanente interés por ganar espacios para el arte ya sea ideando proyectos con implicaciones sociopolíticas o buscando lugares antes sin advocación artística para sus propias exposiciones, como el Museo de Historia de Tlalpan donde se llevó a cabo su última exposición.


Dicha exposición, bajo el sugerente título de Psicoanálisis, contrapunteó su labor externa en el arte -es decir aquella dedicada a su vinculación con la sociedad- ya que es una introspección realizada en su producción con la ayuda del psicoanálisis, que se convierte en un ejercicio representacional de sus distintos estadios: anímicos, intelectivos, e incluso artísticos, durante los últimos cuatro años.


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Esta es la identidad formada

De acuerdo al propio artista, la primera sala correspondía a una etapa de crisis. Para ello empleó básicamente la pintura que formal y conceptualmente lo ha caracterizado durante años: composiciones pobladas de personajes que hibridaron de lo popular y lo onírico, y motivos decorativos más gráficos que pictóricos a los que se añaden objetos, y una imaginería y fraseología apocalípticas.

El siguiente estadio hacía referencia a un período de búsqueda y dispersión donde aparecen gestos inesperados (huellas de coches de lujo sobre lienzos), objetos diversos y combine paintings y emplumados, que junto con otros adheridos a la tela empiezan a construir el discurso de las piezas posteriores.

Los lienzos de coloridos paisajes abstractos sembrados de recortes de los que brotan literalmente hiedras y helechos de plástico, son un remanso o período de equilibrio existencial.   


Desde mi punto de vista es aquí donde se encuentra la obra más interesante de esta aventura de introspección y mediación simbólica.

Sus paisajes poseen un fino sentido del humor (como la planta viva en su maceta al centro de la sala en diálogo irónico con el invernadero plástico) y una sencillez casi cándida pero que logra un discurso contundente, al tiempo que lo ubican a una sana distancia de investigaciones de moda o muy transitadas.

La última sección parecía ser un re-establecimiento de premisas correspondiente a un período de intenso estudio del psicoanálisis lacaniano del que parten conjeturas en torno a su vida y a su labor artística.

Los cuadros abstractos y las notas —dibujos— sobre papel amate esparcidos por las paredes se refieren a ello, a su reflexión sobre lo invisible, sobre lo que esta fuera de nuestra percepción (que desde fines del siglo XIX llevan a cabo el psicoanálisis y la física cuántica) y que es lo que nos gobierna, de acuerdo a sus palabras.

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Este es el elixir de tu vida y de tu muerte


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El camino del habla

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El drama humano


A pesar de que a este último compendio le falta desarrollo (está a nivel de ejercicio al que le falta elaboración conceptual y formal para cuajar en una propuesta específica), plantea ideas de enorme interés para la práctica artística actual como la de asir la producción a sistemas filosóficos, de los que él piensa se ha apartado el arte.

La enorme exposición en su conjunto era compleja por la diversidad de focos conceptuales y formales de los que partió pero el espectador y el lector de esta nota deben entender que el artista privilegia el proceso sobre el resultado y la coherencia del conjunto, y que la obra de un artista y la importancia de su papel social con responsabilidades más allá de su producción: son caras de una misma moneda.

 
© Réplica21. Todos los derechos reservados. 2000-2006
Fecha de publicación: 10.05.2006