Del 21 al 24 de octubre se celebra la tercera edición de la feria de arte contemporáneo Frieze. Ciento sesenta galerías de casi todo el mundo exponen sus propuestas creativas en el pintoresco Regent’s Park de Londres. Un paisaje de Constable situado en el corazón de la metrópoli. El Land art ya era una práctica común entre los jardineros ingleses del siglo XVIII. Por esto, la vanguardia, finalmente académica, no tendría mejor sede.

Junto a la entrada del recinto, un antiguo Diorama, más abajo la casa de Sherlock Holmes, en el mismo parque el Zoo. Pero Frieze no va a romper la atmósfera decimonónica del barrio. La feria es, un siglo después, un tipo de Exposición Universal. En lugar del Cristal Palace entramos en un edificio del último arquitecto en boga, David Adjaye. Los techos también son transparentes, pero en vez de hierro y de vidrio, los materiales son propios de la era del reciclaje. Reciclaje, reconfiguración y reconstrucción es el título de su libro. Tal vez el siglo XXI no se enorgullezca tanto de los descubrimientos de la industria, como las grandes Exposiciones Universales, pero al menos sí pretende darnos una lección de buena ciudadanía.

Ferias y Bienales

La diferencia entre un museo y un bazar la tenemos clara. Pero pasear por e British Museum no es tan distinto de ir al mercado de Camden en el periplo del turista. Da igual comprar una taza con el dibujo de un friso persa, encontrado en la tienda del museo, o unos vasos op art en el rastro de Londres. Hoy en día acontecimientos culturales y comerciales van necesariamente de la mano.

Distinguir ferias de arte contemporáneo y bienales, es cada vez más difícil. Siempre hay muchos entendidos, muchos galeristas y muchos artistas. El público acude igualmente en masa y los tickets para acceder al evento parecen las entradas de un concierto de rock.

Diríamos que las bienales son más discretas, aunque los artistas que participen en ellas venden sus trabajos en prestigiosas galerías. Las ferias en cambio muestran sin escrúpulo el precio de las obras, aunque las acompañan con conferencias de alto tono intelectual y con creaciones específicas para la ocasión (Como los artistas invitados a realizar un proyecto en Frieze, de los que hablamos a continuación). Los organizadores de las bienales de arte observan lo que ha cristalizado en las ferias, trazan un plan y presentan al mundo las nuevas tendencias. El mercado tiene una mayor capacidad de renovación que la Estética. Lo que el teórico del arte tarda en aceptar, el galerista solo tiene que ponerle un precio.

¿Pero quienes están en el mercado? Aún nos queda por conocer el sentido de la información. Frieze, como otras ferias y bienales internacionales, aspira a la universalidad, a ser la muestra de todo lo que ocurre en el mundo del arte. Incluso podría pensarse que las ferias prescinden de un discurso para que todo quepa. Pero sabemos que ser oferta en un mercado tan limitado como el del arte exige crear una demanda. A Frieze solo acuden galerías cuyo peso internacional haya sido considerado por el comité de la feria.

Alain Quémin en un estudio titulado El papel de los países prescriptores en el mercado y en el mundo del arte contemporáneo (1), explica que todos hemos asumido una aparente mundialización de la cultura. Como si hablar de estilos nacionales careciera de sentido hoy. Por ejemplo, Juana de Aizpuru dice “Ahora los artistas son mucho más individualistas, ya que viajan constantemente, tienen un gran desarraigo y consideran que el mundo es su patria. Es difícil que con estas características de forma de vivir surjan movimientos transcendentales”.

Quémin tiene en cuenta la nacionalidad de los artistas mas alabados por los expertos, coleccionados en los museos, y presentes en las galerías que controlan el mercado internacional. La revista de arte alemana Capital publica todos los años una lista con los nombres más influyentes. Las nacionalidades mayoritarias son en el siguiente orden: EEUU, Alemania, Gran Bretaña, Francia, Italia y Suiza. Después, muy de lejos, vendrían los asiáticos y los latinos, y extrañamente los africanos. También constata que los artistas de otros países que triunfan en el panorama internacional suelen vivir en los centros del poder económico: Nueva York, Londres o Paris, y que raramente pasan al estrellato desde sus ciudades de origen. Por ejemplo, uno de los artistas latinos con más éxito internacional, Carlos Amorales, que está presente en la galería mexicana Kurimanzutto en Frieze, vive entre el DF y Ámsterdam.

La galería Pepe Cobo, que también acude a Frieze, señala que es una feria situada en un lugar estratégico. La importancia financiera de Londres, hace que sea un centro del coleccionismo internacional.

No hay que escandalizarse. Esto siempre ha sido así. ¿No fue la vanguardia histórica una fiesta en las cafeterías de Montmatre? Quémin únicamente reflexiona sobra el falso cosmopolitismo de las ferias de arte internacional. Un poco como las Exposiciones Universales del siglo XIX. No puede caber todo en Regent’s Park.

Sabemos que lo mejor de nuestro tiempo aún esta por descubrirse. No quiero decir que los artistas que acuden a Frieze no sean interesantes, sino que responden a un corte muy determinado. El mercado del arte hace una criba a gran escala de la producción artística. Pero hay mucho arte todavía invisible, que no forma parte de la información artística.

“Los otros”, que en cierto modo somos también nosotros, españoles, mexicanos… como si la cultura latina fuera un satélite de la anglosajona, debemos pensar seriamente en esta situación. En cualquier caso, podemos estar contentos de que ciertas galerías españolas (Juana de Aizpuru y Pepe Cobo) y mexicanas (Kurimanzutto y Enrique Guerrero) participen Frieze y de que en nuestros países se celebren ferias de carácter internacional. Teniendo en cuenta que la mayoría de las galerías españolas y mexicanas no están atentas del mercado exterior.

La información que mayormente manejamos está siempre orientada. Con esto no ponemos en duda la independencia de Frieze. Muchos artistas no son percibidos. Aquello que no se promociona, no se puede vender, y solo se promociona lo que es demandado.

¿A qué nos referimos al considerar que ciertas obras son exhibibles mientras que otras no lo son? Cuando Duchamp colocó su orinal y lo llamo fuente demostró que todo, hasta el propio concepto podía ser exhibible. Luego cuando los museos más prestigiosos ansiaron tener dentro de su colección este objeto, se comprobó que también era vendible. Aun así, hay obras que no se exhiben. Por esto, que exista un margen en los espacios expositivos después de la revolución duchampiana, demuestra que hay una serie de preferencias, de modas, de valores contemporáneos que excluyen determinadas obras de arte.

Aunque parezca caber todo, no todo cabe. Hay una norma (sería muy radical hablar de un canon). Es dudoso que las revistas de arte nos hayan convencido de ello. Pero si bien parece que se elude cualquier discurso, que se busca el universalismo, al analizar el trabajo de los artistas que Frieze ha invitado, descubrimos casi un planteamiento estético en la elección. No obstante, ha sido comisionada por Polly Staple, reconocida por su sensibilidad hacia los creadores y su trabajo en Cubbit Gallery, un espacio dirigido por los propios artistas.

Asistimos a una conceptualización de toda forma. No vale ya la expresión pura. Si ésta se diera, debería ser explicada con el discurso. La palabra de los críticos y de los curadores puede justificar cualquier manifestación. Lo que en un principio era una exigencia del mercado, del coleccionista y del marchante que necesitaban valorar el trabajo del artista, se ha convertido en la misma obra. El arte de hoy es el de la enunciación. Casi un trabajo lingüístico, teórico, en vez de plástico. Por ejemplo, Ian Wilson, uno de los artistas que acude a Frieze, mantiene discusiones con los espectadores sobre temas filosóficos, que según explica, al no ser registradas en ningún soporte, adquieren connotaciones míticas. Su trabajo tiene más que ver con Sócrates que con Fidias.

¿Dónde están los pintores entre los artistas invitados a Frieze? Curiosamente hay un dibujante, Donald Urquhart. Desde siempre la línea ha sido el más conceptual de los recursos del pintor. Podríamos hablar de una desmaterialización de la obra de arte. De una progresiva desaparición de los soportes.

Tal es el caso de artistas como Andrea Zittel, quien diseña muebles personalizados. Finalmente su creación no es tanto el objeto en si, como el tipo de habitabilidad propuesta. A Frieze lleva un grupo de excursionistas californianos para que acampen en Regent’s Park y muestren su forma de vida sana. Una idea, por cierto, muy victoriana: el campo frente a la ciudad. Como si fuera una de esos paisajistas de la América virgen, que tanta curiosidad despertaron hace doscientos años. Sólo que en vez de pintar el Cañón del Colorado, nos invita a vivir en el Cañón del Colorado.

Así como no hay pintores entre los artistas invitados a Frieze, destaca en cambio la presencia de escultores. Parece que la escultura si resiste a esta conceptualización de la forma. Tal vez porque está más cerca de la instalación y de la arquitectura, porque tiene cierta teatralidad -se transforma con la luz, su ínter actuación con el espacio-. El trabajo de Michael Beutler consiste en la construcción de estructuras con materiales innobles, perfectamente adaptables al lugar, que se extienden orgánicamente por el territorio, como un vegetal. Tiene algo de matérico, es cierto. Pero la explicación de su trabajo es fundamental para que algunas de estas estructuras no acaben en la basura; como recientemente le ha ocurrido a una de sus obras instaladas en la vía publica, confundida por unos barrenderos. La sofisticada interpretación que han elaborado los críticos, está en sintonía con la arquitectura efímera, los invernaderos, y el gótico. Sus esculturas serian una reflexión sobre la fabricación en cadena.

Forma y concepto

Pero el cuerpo del arte parece estar desprestigiado. Esto es lo que no se dice pero todos intuimos. No vamos a reivindicar ahora a los pintores. A lo mejor ha muerto la pintura, o el arte. O estamos ante otra cosa que no sabemos como llamar, y que es maravillosa también, aunque no tenga nada que ver con lo que hasta ahora conocíamos. De todas maneras no se ve ninguna revolución cultural en el horizonte. Desde los sesenta el conceptual ha ido paulatinamente tomando posiciones, como los grandes cambios, y ahora no hay posibilidad de retroceso. Pero no nos olvidemos de que hay otro arte, no exhibible, que no llega a las ferias, o que llega como arte proscrito, como arte menor, de consumo…y que solo se ve en los rincones de las bienales. Dice Régis Debray que cuando a una cultura más le repugna el cuerpo se hace más abstracta (2). Esto es lo que esta pasando con nuestro mundo globalizado del arte.

Todo quiere ser suficientemente universal. ¿Pero dónde queda el individuo? ¿La identidad? ¿El cuerpo?... ¿Dónde queda la humanidad? Los países hispanos que arrastran siglos de una autoconciencia carnal, no pueden desprenderse fácilmente de su cuerpo. La fisicidad de nuestro arte es una herencia que nos impide entrar en ese límpido mundo de los conceptos. Tal vez por esto sólo hay unos pocos artistas latinos en las ferias de arte contemporáneo como Frieze.

Y es necesario hablar del conceptual. Su peso es cada vez mayor. Para ver que nos traen los nuevos talentos, podemos asistir a la exhibición de fin de curso del prestigioso Central St. Martins College of Art & Design, también en Londres. ¿Qué encontramos? Video, instalación, investigaciones más o menos presentadas en los muros de la sala…no vamos a ser demasiado duros, están aprendiendo. Lo mejor de la escuela siguen siendo los graffitis dejados en los baños. Pero todo bajo discursos complejísimos, casi siempre autoreferenciales, llenos de citas explícitas, y con poquísima atención a la forma. Como si las palabras bastaran para colgar una foto desenfocada en la pared. Se puede, ¿por qué no? ¿Nos interesa? Depende. Los jóvenes artistas imitan a aquellos que ya están en la cresta de la ola.

Por ejemplo Henrik Hakansson, ha decidido para esta edición de Frieze llevar un pájaro a la Royal Academy of Music, donde grabará su canto y el aliento de los espectadores. La idea es de un lirismo ensordecedor. Esa pobre criatura de la naturaleza dentro de la sofisticada sala de conciertos. ¿Pero era necesario hacerlo? O ¿hubiera bastado con leerlo en Frieze?

En todo caso las ferias de arte contemporáneo demuestran una gran valentía al apostar por el video. No hay que dejar escapar esta oportunidad. También se paso de la era de las catedrales a la de los palacios. Y Frieze sabe que va a ocurrir. Esta edición ha invitado por primera vez a tres artistas a realizar un video: Roger Hiorns, Donald Urquhart y Cathy Wilkies. Al igual que hace 100 años en las se proyectaban en los barracones de feria las primeras películas, ahora son las ferias mas culturales las que nos proponen las últimas. Casi como si el Diorama que se encuentra a la puerta de Regent’s Park hubiera sido restaurado.

Y las ferias y los muesos están también empeñadas en introducir la performance. Lo que en un principio comenzó como una practica radical y antimuseológica, hoy es el mayor reclamo de Frieze. Cuatro de los proyectos patrocinados por la feria son acciones. Martha Rosler lleva a los espectadores por las salas de servicios de la feria: los baños, la cafetería, etc.…en un acto de solidaridad social, frente a los precios inauditos de las obras de arte, su proyecto está lleno de humildad, pero se queda en un símbolo poco original. El caso de Matthieu Laurette es más gamberro. Sus acciones rebasan la propia especialidad del museo o del escenario. Pueden consistir en un show televisivo o en una subasta. Para Frieze, Matthieu Laurette hace que un equipo de diseñadores opinen sobre la vestimenta de los visitantes. Tal vez alguno, que se consideraba muy elegante, salga ofendido. No sabemos si es esta la mejor forma de vender arte. Hay que reconocer que Frieze se arriesga a que le salga el tiro por la culata. Otra acción es la de Jay Chung & Takeki Maeda, quienes hacen un recorrido sin información, una antivisita. Los gestos dadaístas ya no sorprenden a nadie. Esperamos que aquellos que se animen a seguirla no se aburran. Por otro lado el ya clásico Richard Wenworth quiere dar a conocer sus ideas sobre la feria en una publicación repartida por el metro de Londres.

Roger Hiorns "Fleet Street". 2005

Las ferias de arte se parecen cada vez más a los parques de atracciones. Lo que estos intentan tener de sublimes, lo tienen las ferias de ociosas. La desfachatez se cotiza hoy a precio de oro. La irreverencia garantiza el éxito siempre y cuando no atente contra los pilares básicos del negocio. ¿Qué pasaría si uno de estos artistas decidiera regalar su obra?, o más aun, ¿si decidiera dar dinero para que alguien la adquiriera? Así como cualquier transgresión Estética hoy es aplaudida, el mercado solo puede ser cuestionado en un sentido. Ahora bien, Frieze no lo ignora. Si atendemos a las conferencias que organizó el año pasado, encontramos una con el siguiente título ¿Dónde esta la aventura? ¿Qué es cultura?, en la que se preguntaba sobre las diferencias entre arte y entretenimiento. Algunos de los temas que se tratan este año son la arquitectura del museo, los espacios que le son destinados al arte contemporáneo, las formas de coleccionismo, el arte y la política, y el futuro del arte; entre los ponentes destacan los historiadores del arte Linda Nochlin y Mark Goldfrey, arquitectos como Zaha Haid, pensadores como Jacques Ranciére o críticos como Brian Dillon.

Instituciones y alternativas

Pero como siempre, ante la Academia surge la subversión. Nuestro tiempo no es tan original como muchas veces creemos. Los mismos días en Regent’s Park se celebra Zoo art fair, formada por las galerías del Este de Londres con menos de cuatro años, que no han tenido sitio en la feria internacional. Entre ellas destacan algunos espacios llevados por artistas o el prestigioso White Cube. Esto nos recuerda al Salón de los Rechazados de Paris. En lugar de La Academia de Bellas Artes, es Frieze, una revista de arte la que decide. Seguramente haya muchos nombres que se repitan. El siglo XIX es siempre una referencia. Hoy todo es muy cordial y las dos ferias trabajan para organizar un gran espectáculo.

Debemos preguntarnos que significa ser la alternativa a una feria de arte contemporáneo como Frieze, en la que supuestamente todo cabe.

Uno de los promotores de Zoo art fair es la Saatchi Gallery. En un artículo Matthew Stotover, director de Frieze, nos explica como Saatchi sabe orientar el mercado del arte de una forma sutil (3). En los 90 consiguió revalorizar el trabajo de artistas casi desconocidos, que había coleccionando los años anteriores, gracias a la organización de la exposición Sensation. Lo que se llamó el realismo neurótico, y que determinó la línea provocadora que hoy todos esperamos del arte británico. Ahora su apuesta se titula El resurgir de la pintura. Tal vez pretenda amortizar su inversión en los artistas que no supo encajar en la exhibición anterior, o crea que dar un giro radical a su colección puede intervenir en el mercado del arte. Como observábamos, teniendo en cuenta los artistas invitados a realizar un proyecto en Frieze, la pintura no es lo que más brille. Seria muy aventurado decir que la apuesta de Saatchi es una alternativa. A lo mejor se trata de la vanguardia, y como ocurría con lo que se presentaba en el Salón de los Rechazados de Paris, de aquí a unos años podamos verlos colgados en todos los museos del mundo. Seguramente no haga falta esperar mucho, hoy estamos ansiosos de una revolución, de una nueva leyenda de la Historia del arte. Aunque mientras el conceptual siga asentándose.

¿Pero es la pintura otra apuesta? Es cierto que en Zoo art fair 2004, hubo muchos pintores. Por ejemplo los del proyecto The Great Unsigned -artistas reunidos sin marchante-. Curiosamente la línea figurativa, el lienzo y el marco, eran muy fuertes. Yo creo que la revolución no va a llegar por aquí, sencillamente no va a llegar. Porque hoy, como decíamos al principio de este artículo, el mercado tiene más facilidad de comprender lo nuevo que la teoría del arte, y el problema no está tanto en el interés o en la aceptación estética, sino en la realidad económica. De cualquier modo no deberíamos alarmarnos.

(1) QUEMIN, Alain. Le rôle des pays prescripteurs sur le marché et dans le monde de l’art contemporain. Ministerio de Asuntos Exteriores de Francia, 2001.
(2) DEBRAY, Régis. Vida y muerte de la imagen. Paidós, Barcelona, 1994.
(3) STOTOVER, Matthew. Young British Art: The Saatchi Decade Frieze 47. Jun/Jul/Ago 1999.