La exposición de Jannis Kounellis, que se mostró en el Templo de San Agustin de la ciudad de México en los primeros días de diciembre del año pasado es un acontecimiento de intéres nacional e internacional.

En alguna ocasión Kounellis (Grecia, 1936) dijo que es una persona de Grecia, y sin embargo, se ve a sí mismo como un artista italiano. Originalmente fue un pintor gestual que emigró a Italia al final de la guerra civil griega en 1956. Él, como muchos artistas de su generación, respondió al desorden de los años 1960, abandonó la pintura y empezó a crear instalaciones que incluyeron objetos encontrados, música y componentes representativos y materiales como tierra, fuego, plantas, madera, hierro, piedras, cristales, café, lana, carbón, yeso y algodón, entre otros.

La yuxtaposición de los materiales industriales sin precedentes de Kounellis contra el violento consumismo en Italia durante la década de 1950 y 1960 hizo que su obra fuera atractiva para el Arte Povera.

Referente al término povera (pobre), S. Marchán Fiz opina que es un concepto amplio, referido a una nueva modalidad del arte objetual. El término viene condicionado por el uso frecuente de materiales humildes y pobres, generalmente no industriales, o por las escasas informaciones que estas obras ofrecen. Es una manifestación más próxima al assemblage, funk, ambientes neodadistas, happening, minimalismo que al pop objetiva. Los artistas que formaron la tendencia povera son: M. Merz, J. Kounellis, G. Anselmo, G. Paolini, P.P. Calzolari, G. Zorio, L. Fabro, P. Pascali, Boetti, M. Pistolleto, G. Penone entre otros.

Kounellis inicia su carrera artística en un contexto socio-político marcado por guerras, como él mismo lo determina, en el período post-post- guerra. De los artistas modernos que le llamaron la atención fueron Burri y Fontana. Muy pronto en Roma descubre que había una sensibilidad contemporánea. En 1958-59, comenzó hacer un cierto tipo de pinturas con letras y un poco más tarde, con los números más cerca al modo de Cy Twombly que de Jasper Johns. También se dio cuenta que cuando un artista crea un monton de obras similares enseguida la gente piensa que ese es su estilo, pero aquello no era próposito real de las pinturas, por tal motivo él decidió abandonarlas.

Cuando Kounellis (al principio cuando) incorporó el color a su obra, al principio no tenía una carga simbólica, simplemente los colores estaban ahí.ocurrían ahí. Él empezó a hacer performance primero en su estudio y más tarde lo realizó en la galería Tartaruga en Roma. Estos performances de algún modo estaban relacionados con las obras creadas posteriormente, es decir, eran reflexiones sobre el arte. A pesar de que Kounellis comenzó a hacer pintura, sin embargo él no consideraba a la pintura como un fin en sí mismo. Él no apuesta por una estética en la línea de Benedetto Croce. Kounellis en su creación artística estaba demostrando lo contrario. El pensamiento artístico de Duchamp fue más determinante.

La idea de las obras de Kounellis está basada en dos conceptos inter-relacionados: la estructura y la sensibilidad. Para Kounellis, la relación entre la pintura y el performance consiste en el que la pintura es simplemente una apariencia (un artificio), no obstante es muy importante porque se establece una dialéctica entre una estructura y una sensibilidad. Sin una estructura no se puede establecer una dialéctica. La pintura representa un seguimiento, comunmente la sostiene la estética. Es un testimonio para la historia, una conexión.La pintura indica un canal cultural. Un canal específico y bien-identificado. Y está idea se ha llevado a su propia práctica artística.

En alguna ocasión, Kounellis afirmó, "soy un pintor" que no necesita lienzo, que utiliza el espacio entero y no sólo la forma/dibujo, si no colores, texturas y otras cualidades de los materiales y de los cuerpos. La idea de cuadro, de la pintura, no es algo superficial, es algo de fondo. "Hay que ver el espacio que se encuentra delante y la posibilidad que hay de ofrecer una centralidad; desde el momento que la hay, ya hay un cuadro". Y retomando las ideas de Kounelis ,A. Fernandez Polanco (1999) define este proceso mediante una obra como el Papagayo así, el campo de metal se enfrenta al papagayo que domina la vista desde una placa situada en un eje axial. El papagayo ante la placa, todos los colores en potencia, ante una placa que alude a una hoja de un bloc de dibujos, de dibujos de papagayos que no se van a dibujar nunca.

Ella nos revela también: La necesidad de entrar en contacto con el mundo real y de tener una relación con la fisicidad del espacio le llevan a salir de los límites del cuadro: "salir de los límites de la representación, ocupar físicamente un espacio real e imprimirle un orden formal, una medida humana". Volviendo a la naturaleza se siente al miso tiempo partícipe y artífice del mundo.1

Recordarán la pieza, el papagayo. Esta obra es una muestra directa de la dialéctica entre la estructura y el resto, en otras palabras, la naturaleza del papagayo (la naturaleza de la sensibilidad), la estructura representa una mentalidad común, y después la parte sensual, ¿es el papagayo una crítica de la estructura?, y consecuentemente la pieza de los caballos presentada en la galería L'Attico, en enero de 1969, fue el resultado de tal dialéctica. Lo importante en este caso fue la estructura social de la galería, y su organización espacial tomó el lugar de la estructura metálica en la pieza papagayo. Y lo que el papagayo hizo en relación a la estructura, los caballos lo hicieron también. Y esto es un acto de conciencia. También ha sido una respuesta al planteamiento del problema de la naturaleza de la galería de arte como una estructura social. Por el mismo motivo Kounellis piensa que la galería es una convención. A su vez la creación de la obra en relación a lo social y a lo histórico es como un producto inacabado. Se puede considerar que el pensamiento básico es el mismo en sus obras. Las obras como el carbón, el fuego, la estructura con cactus que son relacionados con objetos cotidianos comúnes.

En sintesis, Kounellis se interesó por re-establecer un balance entre sensibilidad y estructura. De este modo el papagayo representa la sensibilidad y el panel de hierro barnizado la estructura, tanto como en la pintura, el color funciona como sensibilidad y el soporte ( el marco y el lienzo) como estructura. No hay que olvidar que en está serie de obras Kounellis plantea el problema de la diferencia entre conceptos como presentación y representación. Él afirmó: "yo no represento, presento".

Kounellis en sus estrategias artísticas empezó a combinar distintas obras , así creando (en sus composiciones) nuevos significados para ellas. De esta serie podemos citar: "Plan de hierro, cuadrado negro pintado, estructura de madera con estante (parte vertical de una cruz) y dieciséis estantes con fragmentos de madera quemados. 200x950cm de 1985, ó, A lo largo de una viga de hierro: somier con un fuego encendido (bombona de gas propano en el suelo), cinco estantes de hierro con huellas de humo en la pared, panel de hierro con estante ocupado con fragmentos de madera. 334x536x41 cmÝ, entre otras. Las obras de Kounellis habitualmente no tienen títulos o si quiera sub-títulos. Por la misma razón, materialmente, describo la obra.

Debo recordar que la teoría de Kounellis, sustancialmente, se aleja de las teorías formuladas para la pintura desde el propio Leon Battista Alberti, y en el siglo XX, pasando por téoricos como Nikolai Tarabukin.

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1. Aurora Fernandez Polanco.: Arte Povera. Editorial Nerea, Madrid, 1999.
* Manuchehr Eftekhar, Artista practicante, Dr. de la Universidad Complutense de Madrid, Facultad de Bellas Artes y actualmente profesor de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos, México, Escuela de Artes.