Eran cerca de las dos de la tarde y estábamos a unas horas de la inauguración de la exposición de Antoni Muntadas“On Translation” en el Laboratorio Arte Alameda en Ciudad de México. La entrevista tuvo lugar en el restaurante del centro cultural José Martí, un lugar ubicado en la azotea del edificio en medio de una serie de interrupciones que estoy obviando en beneficio del texto. Sin embargo, debo acotar que a pesar de los inconvenientes provistos por el sitio pudimos hablar de algunos tópicos que creo son pertinentes para la lectura de su obra.

La exposición mostraba obras realizadas en torno a los medios de comunicación que han sido montadas en otros sitios. Pero para esta ocasión Muntadas realizó una pieza especial con la colaboración del investigador Francisco Reyes Palma. Se trata de un tableau vivant realizado con recortes de periódicos de los años cincuenta en los que se informaba sobre la apertura del mural Un domingo en la Alameda, de Diego Rivera, el cual fue atacado por la prensa conservadora debido a la controvertida frase "Dios no existe", que el pintor había colocado en el mural. Para Muntadas esta era una oportunidad para reflexionar sobre un tema que le ha apasionado desde hace tiempo: la relación de los medios de comunicación y el arte.

Edgar León: Leyendo en una entrevista en internet me enteré de que a finales de los sesenta y principios de los setenta usted tenía una formación de pintor y luego hace un cambio hacia medios no convencionales y temas afines a la imagen masiva.. ¿Cómo es que se da ese cambio?.

Antoni Muntadas: A finales de los sesenta es un momento en que la gente se replantea muchas cosas. Se replantean desde el punto de vista político y cultural puntos como el Mayo de 1968 y los fenómenos que se dan principios de los setenta. Todo este período de tiempo, es un momento en que la gente se cuestiona cosas, cualquier tipo de prácticas y a nivel vital ¡no!. Los fenómenos contraculturales en Estados Unidos, los fenómenos guiados a situaciones políticas en Europa, hacen que se plantee toda una situación.

Desde el punto de vista artístico las tácticas también se replantean. Y se replantea el objeto, se replantea la representación. ¡Hay una búsqueda!

En mi caso, hice un pequeño escrito que estaba ligado al uso de los sentidos y la percepción. También buscaba más actividad por parte del espectador. O sea, esta frase que últimamente uso Warning: Perception Requires Involvement (atención la percepción requiere participación) ha estado presente desde antes. Yo creo que el tratar de proponer una mayor participación a la lectura del trabajo es importante no. Estos fenómenos en el momento de los sesenta y también la aparición del conceptual, en fin, ¡la desmaterialización del objeto!.

Es interesante que en la Argentina, me acuerdo, participé en una exposición que se llamó Arte de Sistemas (1972). Entonces, en esa exposición, que no es conocida, se hablaba de performance, se hablaba de acciones, se hablaba de conceptual y se hablaba de arte de acción. Creo que “Arte de Sistemas” era bastante premonitoria para muchos tipos de trabajo que se hicieron basado en la idea de estructuras y network (red de trabajo) y, la manera en cómo el sistema del arte estaba basado en otros sistemas.

E.L.: La pintura como medio y soporte sigue existiendo, a pesar de que se ha alejado de los circuitos centrales de exposición.

A.M.: ¡Pero esto son ciclos! Osea, yo no creo que… A pesar de que en un momento dado en ese período de los setenta me expresé contra la pasividad de la pintura y la búsqueda de medios más activos. La realidad es que los medios -bueno- se añaden y no desaparecen. Lo que se crea es un espectro de medios que la gente tiene que escoger según el proyecto. En fin lo que pasa es que se recicla y aparece de otra forma no. Entonces yo creo que siempre hay usos de los medios que tienen otra dimensión. A pesar que ¡claro! desde el punto de vista de la historia del arte, la pintura esta representada y esta explorada en innumerables museos y, a nivel de conciencia pública y de información pública, quizás es difícil el contribuir a trabajos pictóricos que puedan añadir. ¡Hay algunos! Pero son minoría. Porque hay veinte siglos de trabajo realizado y esto son referencias que no podemos olvidar.

E.L.: Ahora, en relación a el texto de Robert Morgan que hablaba de la idea de presentar. Que es de actualidad, y se encuentra en muchas partes. Esta misma idea busca de alguna forma hacer visible las cosas, aunque no necesariamente. Porque Robert Morgan se reffiere a “The Board Room” y señala: ‹‹la presentación de una imagen, pero del icono no de la imagen››. Habla por ejemplo del escaparate de la publicidad, de los cuadros de las fotografías sin las fotografías, los televisores sin las imágenes de la televisión. ¿hay una intención de presentar alguna forma de envoltura no, del soporte de la imagen?

A.M.: Bueno a veces. El caso de “Exposición” era claramente un comentario sobre la idea de exposición. La exposición genera unos estereotipos, la manera de cómo se presentan unas obras, la iluminación, el espacio entre las obras, el uso del espacio expositivo, las jerarquías que se establecen entre la obra gráfica, el dibujo, la pintura, la fotografía. Hay unos estereotipos, ¿Cómo se cuelgan las fotos en un espacio público? Está el cuadro con el paspartú, están un tipo de espacio entre imágenes que son totalmente calculados. Finalmente, hablamos sobre esta manera de presentar los estereotipos de presentación. Pero también presentaba el espacio expositivo, las paredes. Porque ese vacío que tu veías en la foto, el paspartú era la pared. La pared y, lo que representa el contexto de esta galería y lo que representa una exposición. Son estereotipos establecidos dentro del sistema Porque una exposición tiene connotaciones que llevan a un estereotipo. Esa exposición trataba de investigar y de construir como decía Robert Morgan todas las estrategias expositivas.

E.L.: El caso contrario de presentar la envoltura es presentar el icono sin el referente.. Algo que se hizo en dos propuestas diferentes de esto . Como en las imágenes del Papa ¿ Le interesa hacer visibles este tipo de cosas?

A.M.: Me interesa hacer visible lo que a lo mejor es invisible. Puede sonar un poco pretensioso. Pero hay esa intención. Yo creo que el artista mira. No es que mire ni mejor ni peor pero, a lo mejor detiene la mirada, observa, analiza y la obra es una reacción a eso. Entonces, el tratar de hacer visible lo invisible, yo creo que está en relación con mi preocupación. Mi trabajo tiene que ver mucho con descifrar ¿Qué es lo que miramos?, ¿Cómo está la imagen construida?, ¿Quién la construye?, ¿Cómo la aguantas?, ¿Qué representa?, ¿Cómo se lee?. Todo esto son preguntas que me han preocupado.E.L. Sobre esta cuestión mediática- y pienso en las tesis de Vilem Flusser, un pensador austriaco.

A.M.: Vilém Flusser es de origen austriaco pero, se fue a vivir a Brasil y todo su trabajo lo realizo en Brasil. ¡Ah, bien importante! Sí.

E.L.: Sí, pensaba en esto que acotó sobre la idea de programa. Particularmente, cuando se refería a la fotografía. El señaló: “La fotografía es un texto en el sentido que ha sido construida por científicos de la imagen”. En este sentido, todo lo que se emula a partir de los medios son finalmente textos. Entonces, como son textos, son los textos los que se revisan. Sí todas las imágenes mediáticas son textos, quiere decir que se trata de una cuestión de ideas más que de imágenes!

A.M.: Bueno, yo diría y, esto lo he dicho muchas veces que lo que los museos hoy en día tendrían que dedicarse a presentar otras imágenes. Ya no es el fetichismo del objeto y el coleccionismo de la artesanía del objeto sino, las ideas, yo creo que se podrían coleccionar ideas y que en un momento dado, si es necesario, pues rehacer la obra. Esto es lo que hago en mi exposición aquí en México. La cuestión está dividida en tres partes: 1- Una es reconstrucción de trabajos hechos que lo que quedaba es la idea y lo que se ha reconstruido es una situación aquí. 2- Reconceptualización de trabajos. Trabajos que existían y que se ha añadido parte de la información: periódicos, sonidos etcétera. Y hay dos trabajos que están reconceptualizados: la sala de conferencia de prensa y Media Stadium. Y luego una tercera –son trabajos nuevos- como: “On Traslation Alameda”, “On Traslation la madera las bancas” y luego “Hecho en México está bien hecho”. En el fondo se presentan obras que tienen diferentes formas y maneras de conducirse. Y así hemos evitado tambén el transporte en esta exposición.