Bajo el nombre Vor Ort se reunió la muestra de alumnos de Daniel Buren en la galería Garash de la Ciudad de México a partir del 4 de marzo. Se trató de una exposición de trabajos realizados por alumnos de licenciatura y posgrado del artista francés Daniel Buren, algunos in situ, otros no. El propósito fue dar una visión de conjunto de artistas que con propuestas maduras enfrentaban el hecho de mostrar su obra en otro contexto.

Los resultados fueron tan frescos como inusitadas las reacciones del público. A la invitación del público a participar que hicieran Rodrigo Bruna (Chile) y Marietta Schwarz (Alemania), hubo una respuesta entusiasta del público. Varias personas se dejaron retratar por la cámara digital de Schwarz y posaron durante un minuto frente al dispositivo. Otros asistentes no dudaron en romper los platos que Bruna colocó sobre una pared junto a un martillo. Platos hondos que se usan para la sopa del tipo más económico.

Las obras sufrieron también alguna embestida por parte del público, que no podría siempre distinguir entre la obra y las instalaciones del lugar. Así el tapete de monedas colocadas en el piso en forma de un calendario del Sol azteca fue semidestruidas durante la inauguración por personas que como yo dirigíamos la mirada hacía las instalaciones de Erik Bachtold (México) pintadas con silicón sobre la pared, representando un árbol.

Varias de las instalaciones, que combinaban la pintura con la escultura, como fueron los casos de las pintura de Antonello Curcio (Italia) realizada directamente sobre la pared de la galería, las instalaciones minimalistas con telas no fibrosas de Carina Spanu (Alemania) y las telas pegadas a la pared y dibujadas con líneas verticales de Athinà Ioannou (Grecia).

En general el grupo resultó bastante uniforme. La obra manifestó la preocupación por el espacio y el registro de los espacios urbanos y arquitectónicos y la pintura como concepto. Por ejemplo, Iris Zogel, realizó frottages de las calles aledañas a la galería e hizo con ellos tres pinturas; Danielle Riede (EUA) colocó pequeñas cáscaras de pintura al óleo seca y las pegó cuidadosamente por todo el perímetro de una de las salas. La integración del arte al espacio circundante, algo de lo que sugiere el título alemán Vor Ort, fue en general la línea propuesta por los artistas en sus trabajos.

El profesor Daniel Buren viajó a México para la inauguración de la muestra y apoyó la publicación de una revista llamada Bouquet, que contenía declaraciones de los propios artistas sobre su trabajo y temas relacionados. La exposición se complementó con un simposio de dos días en la academia nacional de arte La Esmeralda.

Luego de las conferencias, en la escuela La Esmeralda Daniel Buren concedió la siguiente entrevista para discutir puntualmente el carácter de la exposición y del papel de educación artística, y sobre el desarrollo de la idea en el arte contemporáneo.

RÉPLICA21: Esta exposición es el resultado del trabajo en el taller que diriges en la Academia de Arte de Dusseldorf ¿Qué significa para ti?

DANIEL BUREN: Para mi es la continuación de una labor docente. Con algunos de estos artistas he trabajado dos años con otros solamente un semestre. Se trata de una oportunidad para ellos, para que se muevan y se pregunten algo. Existen en el mundo muchos espacios donde se puede exponer y cada vez se abren más puertas para los artistas. Creo que la exposición en México es una de esas oportunidades que ellos han aprovechado.

RÉPLICA21: ¿Qué hay de la reacción del público con respecto a esta obra, hasta qué punto el saber qué se está dirigiendo a un público influye en la creación?

DB: Yo no puedo hablar por la idea de público de los artistas de esta exposición. Creo que algunos de ellos trajeron obras para enseñar, como Antoniello. Pero otros, la mayoría, hicieron obras directamente sobre la galería pensando en el espacio y en el hecho de que iban a ser expuestas en una galería en México. Pero también respeto a quien decide hacer algo que no tiene nada que ver con México y esto es igual de válido.

RÉPLICA21: ¿Cómo descubre el proceso de un artista y permitir que sea él en el taller quien lo descubra por sí solo?

DB: Cuando veo alguna relación inmediata con la obra de otro artista o conmigo mismo trato de mostrárselo al artista y preguntar por qué lo está haciendo. Pero tienes que tener cuidado de respetar su decisión de seguir un proceso. El arte sale del arte.
Por otro lado, no creo en los valores de la originalidad o la novedad. Creo que el Minimalismo de los años 60 es una derivación de los Constructivistas de los años 20. Aun así los minimalistas todavía aportaron algo, no se puede negar que su trabajo resulta como otra piedra en el puente.
A veces puede resultar muy frustrante el aceptar que todo se ha hecho ya, especialmente para los estudiantes de arte. Yo les pido que hagan un gran esfuerzo porque todavía hay muchas cosas que no se han visto o sobre las cuales no se ha reflexionado.

RÉPLICA21: Daniel tú formaste parte de una generación que criticó severamente a las instituciones y la idea del arte, ¿qué contraste hay entre el arte conceptual de ese entonces y lo que se hace hoy? ¿Qué pasó con el arte como filosofía, como concepto?

DB: Yo siempre escribí y actué en contra de la línea del arte conceptual, defendí la existencia visual del objeto. Sin el objeto todos los discursos, aún el de la filosofía, resultan irrelevantes.
Si estás trabajando dentro del campo del arte es a través de la realización visual como se presentará el resultado. Lo importante es que debe predominar lo visible sobre la idea.
El arte conceptual fue una forma de cultivar el arte occidental reduciendo el objeto artístico al mínimo, esta es la tendencia del siglo XX. Este tipo de arte fue la condensación de la tendencia a la reducción de la visualidad.

RÉPLICA21:¿Se trató tan solo de una forma de academia vanguardista?

DB: La vulgarización del conceptual en los sesenta hasta el punto en que arte conceptual era todo aquello que no se podía clasificar, si una pintura de Robert Ryman no parecía una pintura entonces había llegado a una nueva definición del medio.

Luego vino una tendencia más restrictiva; en los 70 surgieron gente como Robert Barry o Lawrence Wiener, que con sus obras cierran el proceso de desarrollo del conceptual. Para los 80 una artista joven como Jenny Holzer emerge desde un arte que surgió y había madurado antes que ella. Y se crea la impresión de que el arte conceptual continua un discurso cuando de hecho esté ya había alcanzado su último desarrollo.